INTRODUCIÓN

OBJETIVO 

En este portafolios a modo de blog realizaré una recopilación sobre lo que me ha aportado la asignatura de arte y lo que he aprendido a través de ella. Durante las diferentes sesiones trataremos cinco temas que recogen el módulo de arte, de cada uno de estos temas seleccionaré conceptos que me parecen imprescindibles para avanzar en la asignatura, al mismo tiempo recogeré mis dudas o sensaciones sobre los distintos temas. Además resaltaré tanto obras, autores, corrientes que más me llamen la atención y profundizaré en ellas.
Por último, añadiré el proceso de creación sobre mi obra artística.

Una vez explicado el mecanismo que voy a tratar de seguir con el portafolios, me gustaría resaltar el objetivo de éste. Consiste en reflexionar sobre los temas abordados en clase de una manera más personal de manera que al mismo tiempo que aclaro e interiorizo conceptos base de la asignatura, despierto mi curiosidad y fomento las ganas de conocer y aprender más sobre el arte.
Sin embargo el portafolios no consistirá en una mera descripción o numeración de los contenidos de la asignatura, sino como ya he dicho antes se trata de una selección de contenido de la que haré una reflexión personal.

(Las entradas están publicadas desde la más antigua a la mas reciente, para facilitar su lectura.)

Antes de comenzar el portafolios me gustaría hacer un breve análisis sobre la palabra "arte"

¿ QUÉ ES EL ARTE?

Hoy en día, se podría decir que se trata de una pregunta un tanto confusa. Muy poca gente consigue dar con una respuesta contundente, o al menos una respuesta inmediata y común entre la mayoría de las personas.  Podríamos comprobarlo mediante otra pregunta, por ejemplo ... ¿Qué es una pizarra?. Rápidamente nos viene una imagen clara a la cabeza y tenemos la respuesta: superficie que sirve para dibujar o escribir en ella de manera que lo vea un grupo de personas. Sin embargo, con la palabra "arte" no ocurre lo mismo. Para el concepto de arte hay multitud de respuestas posibles al mismo tiempo que hay multitud de maneras de representarlo.
En mi opinión el arte es todo lo que nos rodea, una forma de expresión y  de comunicación que varía según la perspectiva de cada persona, es por ello que considero que no tiene un significado común para todos, es decir, cada persona tiene su propia definición de "arte".
Lo que a unos les puede parecer una  gran obra artística a otros les puede parecer de todo menos una obra, todo depende de lo que cada persona le sugiera o le transmita.

Me gustaría compartir un video de Albanta San Roman, youtuber española, que quiso reflexionar sobre esta misma cuestión, y con la que coincido en su reflexión "el arte es todo". Me gustó mucho la manera en la que enfoca este tema ya que me parece una forma distinta y original.

Si echamos la mirada atrás, encontramos concepciones tradicionales sobre el arte, pero... ¿son correctas?
¿Es el arte una representación "fiel" de la realidad?, ¿El arte es belleza?, ¿Es el arte una mera expresión de sentimientos internos?, ¿Es el arte un objeto de valor inigualable, auténtico ,original que entraña dificultad técnica?
Espero poder responder a estas preguntas tras finalizar la asignatura de arte ya que por el momento tengo dudas sobre algunas de ellas.

DISMALAND

En la primera sesión vimos una serie de imágenes de algunos autores como : Banksy, Alberto Durero, Elena Asins, Spencer Tunick.... entre otros. De entre ellas he seleccionado la que más me llamó la atención.

Sin duda el autor que más me ha impactado con sus imágenes y sobre el que me gustaría hablar es Banksy. 

He de reconocer que desconocía tanto a este artista como a su obra, es por ello que me quede sorprendida al verla porque a primera vista la sensación que tenía era la de un castillo en ruinas simulando el de Disneyland rodeado de basura. Sin embargo luego me di cuenta que no era basura lo que se encontraba alrededor, sino que eran tiendas de campaña. 

La siguiente foto del mismo artista, me hizo reflexionar sobre la situación que viven muchos inmigrantes. Que debido a determinadas situaciones deciden arriesgar sus vidas cruzando el mar en muy malas condiciones, a pesar del riesgo que supone, todo por poder vivir decentemente y alejarse de la guerra que les persigue. Me pareció muy interesante que un artista quisiera dedicar su obra a estas personas para hacer visible está situación tan frustrante, triste e injusta. 

Estas obras despertaron mi curiosidad y por ello quise obtener más información sobre ellas. Tras informarme, encontré el sentido conjunto de la obra de este artista misterioso de arte callejero, se trataba de un parque que simulaba el parque de Disneyland pero de un modo crítico, denominado Dismaland. Con la intención de que en cada rincón se hiciese visible una crítica a la sociedad sobre diversidad de temas; maltrato animal, políticas migratorias, consumismo, política...

Otros de los rincones que me han llamado la atención del parque son los siguientes:

Buscando  más información sobre este graffitero "misterioso", me llamó la atención una de sus graffitis que dieron nombre al parque: "Bienvenidos a Dismaland... la vida no es siempre un cuento de hadas"

Esta frase me ha hecho reflexionar sobre como el idealismo que utiliza y muestra Disney en sus películas, cuentos... pueden influir de manera negativa en los niños, provocándoles confusión. La mayoría de las películas de Disney acaban con un final feliz, pero en la vida real no siempre ocurre así.

Volviendo a la primera imagen, el motivo por el que hay tiendas de campaña se debe a que Banksy tras el éxito con Dismaland decidió donar los materiales que formaban el parque a los inmigrantes de Calais para que lo pudieran aprovechar como refugio. Me parece una muy buena obra solidaria por su parte ya que, no solo se dedica a hacer visibles muchas de las injusticias de la sociedad actual, sino que colabora para que ésta cambie.

Por último, añadir que este artista me ha dejado con ganas de saber más sobre él, me parece que es una persona que desprende mucha originalidad y ganas de hacer visibles y de denunciar las injusticias que ocurren en la sociedad actual.

ENLACES EXTERNOS:

http://www.abc.es/cultura/arte/20150928/abci-banksy-inmigrantes-dismaland-calais-201509281948.html

¿ES EL ARTE UNA REPRESENTACIÓN FIEL DE LA REALIDAD?

Tras la introducción del primer día, en esta sesión hemos comenzado con el tema 1. En este tema hemos tratado diversos temas y conceptos que comentaré a continuación.

En primer lugar me gustaría resaltar la diferencia entre "representar" y "recrear", ya que consideraba que eran dos conceptos muy similares y que yo usaba sin distinción. De la primera, "representar" consiste en subrayar, esconder, enfocar o desenfocar la realidad, en cambio "recrear" consiste en construir nuevos mundos.

Trabajamos el concepto de Mimesis que consiste en una imitación de la naturaleza o de la realidad . Es en el renacimiento cuando alcanza su momento más importante. Sin embargo no todos los artistas hacían uso de la Mimesis en sus obras.

 

Me gustaría comentar una frase de Leonardo Da Vinci en relación a este tema, la frase es la siguiente: "La pintura más digna de alabanza es aquella qué está lo más posible de acuerdo con lo que representa". No estoy  muy de acuerdo con lo que dice este autor, ya que creo que el que se parezca más o menos a la realidad no lo califica como digno o menos digno. En mi opinión el arte es totalmente subjetivo. Hay muchas obras que se basan en una realidad pero al mismo tiempo la modifican o resaltan específicamente algo y no por ello deja de ser menos dignas. Incluso creo que lo bonito del arte y lo que lo hace más especial, es el toque personal que aporta cada persona y que lo distingue del resto.

Entre el siglo XVI y XVII surge un debate entre Holanda e Italia :¿Debe el arte imitar la realidad (realismo) o idealizar la realidad (idealismo)? Más tarde surge el impresionismo y el naturalismo.

Hemos diferenciado entre tres corrientes artísticas: el Realismo , el Idealismo y el Impresionismo. Este último consiste en representar la realidad tal y como la percibimos, no tal y como es (realismo) o como debería ser para llegar a un determinado canon de belleza (idealismo).

La distinción entre estas tres corrientes se podría resumir en que el realismo trata de representar objetivamente la realidad tal y como es, el idealismo lleva la realidad a la perfección dándole más importancia a la belleza y estética y en cuanto al impresionismo, se trata de reflejar algo más personal, es decir, lo que percibimos con los sentidos, una realidad  subjetiva.

Por otro lado, hemos trabajado el Hiperrealismo que consiste en reproducir la realidad con más similitud y objetividad que la fotografía. Una tendencia que deriva de ésta es el Fotorrealismo que consiste en una pintura basada en una fotografía.

Sobre esta tendencia me gustaría destacar al artista Chuck Close, ya que me ha llamado la atención tanto sus obras como la cantidad de obstáculos que ha sufrido a lo largo de su vida.

Como ya he dicho antes el Fotorrealismo consiste en tomar como base una fotografía. Este autor ha realizado retratos que prácticamente parecen la fotografía inicial de la que parte. Sus obras se apartan totalmente del retrato tradicional y se asimilan más a las fotografías clínicas y policiales o a los primeros planos. Close no parte de la realidad sino que la representa a través de la fotografía que proyecta sobre el lienzo. 

Realmente me ha sorprendido este autor ya que me resulta difícil diferenciar la fotografía del cuadro, debido a la exactitud y precisión en sus pinturas. Investigando sobre la vida de este autor, descubrí que Chuck había sufrido una enfermedad que le había dejado tetrapléjico, a pesar del obstáculo, él siguió con la pintura. La única manera que tenía de seguir con lo que le llenaba era cogiendo el pincel con la boca, con el tiempo fue recuperando movilidad y pasó a atarse los pinceles a las muñecas. Creo que tiene mucho mérito su afán de superación, como siguió con lo que más le gustaba, crear arte.

La conclusión a la que he llegado tras finalizar este tema, es que cada persona tiene una manera diferente de ver las cosas y al mismo tiempo una manera diferente de representarlas o recrearlas y considero que una obra artística nunca podrá ser una copia fiel de la realidad, a pesar de la similitud, sino un relato sobre la realidad.

ARTE EN VIVO E IMÁGENES INTELIGENTES

En una de las sesiones la profesora nos puso una serie de imágenes de diferentes artistas; Louise Bourgeois, Rebeca Horn, Marina Abramovick, Chema Madoz y Man Ray

De todos ellos dos autores me llamaron más la atención son Marina Abramovick con sus performances y Chema Madoz con sus imágenes inteligentes.

MARINA ABRAMOVICK

La primera me pareció interesante por el hecho de que yo desconocía en que consistía el arte de la performance, en esta sesión comprendí que hay artistas que han encontrado una nueva forma de expresión y es mediante el performance art; arte en vivo. Consiste en transmitir mediante la acción y con el propio cuerpo como protagonista.

Tras la sesión de clase, me entró curiosidad y comencé a buscar más información sobre Marina Abramovick. Lo primero que encontré sobre ella era que se denomina ella misma "la abuela de la performance" y que su objetivo era conseguir del performance, una forma de expresión artística real. Lo que pretende transmitir al público es la conexión y equilibrio entre su mente y cuerpo y para que éste lo perciba se autoinflinge sufrimiento y dolor.

Respecto a sus obras, considero que pueden parecer increibles y que rompen los esquemas que tenemos sobre el arte, pero al mismo tiempo creo que algunas son demasiado arriesgadas para su vida y que no debería arriesgar su vida de esas manera por transmitir algo al público. 

CHEMA MADOZ

En cuanto a Chema Madoz, me parece un artista con mucha originalidad y diferente al resto. Este artista y fotografo consigue únicamente mediante objetos cotidianos, el blanco y negro y su inteligencia e imaginación crear imagenes impresionantes. De esta lista de autores es el que más me ha gustado ya que me sorprende como de objetos tan concretos y simples logra transmitir algo tan diferente a lo que realmente es.  

ENLACES EXTERNOS:

http://www.vagon293.es/ars/marina-abramovic-como-si-fuese-un-cuadro-pero-imposible-detenerse-solo-30-segundos/

EL ARTE VANGUARDISTA

En esta sesión hemos trabajado el arte contemporáneo, tema 2. Con esta sesión he comprendido las diferencias entre el arte contemporáneo frente al arte tradicional, la característica que más les diferencia es le existencia y ausencia de la LIBERTAD.

El arte tradicional estaba compuesto por una serie de normas; las obras debían contar una historia, se valoraban los cánones preestablecidos de belleza... sin embargo, esta nueva corriente se libera de todas esas normas y determinaciones y se lanza a crear arte con total libertad basándose en el cambio. Este gran cambió será denominado Vanguardista. En mi opinión, da lugar a la innovación, libertad e imaginación. Gracias a este cambio los artistas pueden realizar sus obras sin tener en cuenta ningún tipo de canones o reglas. Los artistas comienzan a interesarse más por la forma y la estética. Dentro de esta nueva forma de arte me gustaría destacar lo que he aprendido sobre; el Cubismo, el Futurismo y el Suprematismo.

Tengo que decir que cuando la profesora nos puso obras pertenecientes al cubismo, futurismo y suprematismo, no me gustaron nada, ya que no me decían nada, no veía nada claro, ni entendía el motivo de las formas que presentaban las obras. Pero al investigar un poco más sobre estas tendencias empecé a ver más allá de lo que veía a primera vista en estas obras.

CUBISMO

Se trata de un movimiento considerado como la primera vanguardia debido a que es el primero que rompe con la corriente renacentista. Se caracteriza por a utilización de las formas geométricas: triángulos, cubos, rectángulos... En el cubismo los objetos se reducen a volúmenes geométricos elementales, prestando más atención a las características elementales de los objetos y no a los detalles.

En mi opinión, a pesar de no entender esta técnica desde un primer momento, considero que es una forma muy inteligente de poder representar las tres dimensiones y de mostrar otra perspectiva.

FUTURISMO

El futurismo se preocupaba de otro aspecto formal del arte el MOVIMIENTO. Esta técnica trataba de mostrar en sus obras velocidad, movimiento... y para ello hacía uso de diferentes colores, multiplicación de lineas y detalles.

Me gustaría destacar la obra de Carlo Carrá, " El jinete rojo", ya que creo que en ella se puede ver claramente el movimiento que se quiere conseguir transmitir con esta técnica.

Me transmite una gran velocidad y fuerza del caballo.

SUPREMATISMO

Por último el suprematismo, que se caracteriza por ser totalmente abstracto y liberado de la realidad. Utiliza también formas geométricas fundamentales. Me llamó la atención un parrafo de Malevith sobre esta tendencia, es el siguiente: 

“El suprematismo comprime toda la pintura, reduciéndola a un cuadrado negro sobre tela blanca. No tuve que inventar nada. Lo que sentía en mí era la noche absoluta; en ella percibía la creación y le di el nombre de suprematismo. Su expresión es el plano negro en forma de cuadrado” “Cuadrado negro” 1913 El cuadrado es un elemento fundamental en el Suprematismo, porque no puede encontrarse en la naturaleza.

Tras este fragmento, me gustaría concluir diciendo que para entender una obra es necesario mirar más allá de lo externo, sobrepasarlo, ya que es en lo interno donde se encuentra la esencia del arte abstracto. 

ENLACES EXTERNOS: https://es.wikipedia.org/wiki/Suprematismo

EXPRESIONISMO

Con el paso del tiempo el concepto de arte ha ido evolucionando, ha habido periodos de tiempo en el que la razón era la principal guía para el arte (en la Ilustración) o por el contrario periodos en los que la pasión, el sentimiento y la emoción eran imprescindibles (en el Romanticismo).

Desde lo más personal, considero que la guía de cualquier obra de arte debe ser la libertad. Libertad del artista a la hora de expresarse y libertad a la hora de entender la obra.

Por lo tanto, podría decir que me siento mucho más identificada con la forma de ver el arte del Romanticismo. Considero que las obras no se crean sin un motivo o sentimiento interno del artistas, siempre hay algo que mueve al artista a crear su obra. Algo muy similar a ésto es el Expresionismo, corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del artista sin prestar atención a la realidad objetiva. Las obras impresionistas se caracterizan por su gran expresividad y por anteponer los sentimientos del artista a la estética o la forma. Se trata de fijarse en la realidad interna y no en la externa. De esta corriente me gustaría hacer un breve análisis del cuadro de Edvard Munch, " El grito".

"EL GRITO"

La razón por la que he seleccionado esta obra entre todas las relacionadas con el expresionismo, es porque lo he conocido desde pequeña. Sin embargo, nunca me había parado a pensar en lo que me transmitía. La combinación de colores a naranjados y la expresión de la cara del personaje me transmite frustración y agobio.

Informándome sobre la obra y el autor, descubrí que este cuadro tiene cuatro versiones, las dos primeras muy diferentes a la que todos conocemos. 

Además encontré un fragmento que me pareció muy interesante, en él Munch explica la inspiración para su cuadro: "Paseaba por un sendero con dos amigos- el sol se puso- de repente el cielo se tiño de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio- sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad- mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un 
grito infinito que atravesaba la naturaleza"
Podemos comprobar como esa experiencia le dejo marcado y eso le llevo a querer expresarlo en una de sus obras. Edvard tuvo una infancia bastante complicada, de ahí que sus obras reflejen la angustia. Personalmente me parece un cuadro que realmente transmite esa angustía que sentía este artista.

JACKSON POLLOCK



Me gustaría destacar también al artista  Jackson Pollock, perteneciente a la corriente del expresionismo abstracto. Desde lo más personal, este tipo de obras abstractas no me transmiten nada, pero eso no quiere decir que no entienda que a otro tipo de persona puedan interpretar de ellas diferentes historias. Sin embargo, a pesar de no entender o de no transmitirme nada, sus obras me parecen bonitas. Bajo mi punto de vista, creo que la belleza de estas obras se esconde bajo la simplicidad y la mezcla de colores. 
Buscando más información sobre este artista me pareció interesante el dato de que sus primeras obras eran todas realistas, pero fue a partir de 1947, cuando eliminó todas sus obras realistas y comenzó a crear obras totalmente abstractas. Creaba sus obras mediante la técnica "dripping" que consiste en gotear y salpicar la pintura sobre una tela.

ENLACES EXTERNOS: http://marisolroman.com/2012/11/04/el-grito-1893/

http://www.ocio.net/estilo-de-vida/arte/jackson-pollock-y-su-tecnica/

ARTE COMO MENSAJERO DE IDEAS

Respecto a este tema, decir que me ha parecido uno de los más interesantes de los que hemos trabajado durante la asignatura. En esta sesión hemos podido conocer las distintas obras de diferentes autores  que mediante distintos modos y métodos han querido transmitir a su público una idea o mensaje. En esta entrada voy a comentar brevemente ciertas obras que me han sorprendido o interesado más.

"UNA Y TRES SILLAS"

Esta obra de Joseph Kosuth, me pareció muy curiosa desde el primer momento que la vi. Puede haber dos interpretaciones diferentes sobre el contenido de la obra:

• Una única silla
• Tres sillas (representación fotográfica, objeto real , palabra y definición)

Sinceramente creo que es una obra simple, pero que al mismo tiempo te deja sorprendido  y te invita a pensar sobre el concepto de arte. Se trata de una obra que nos muestra las perspectivas de nuestra realidad: representación, objeto y definición (lenguaje). Ningún objeto existe sin tener un nombre, sin una definición y sin una representación en nuestra cabeza. Esta obra deja en evidencia nuestra concepción sobre el arte.

RENÉ MAGRITTE

Se trata de un artista que me ha creado curiosidad con sus obras. Se trata de arte Surrealista, corriente que trata de liberar la mente del hombre. Algunas de las obras que me han llamado la atención son las siguientes:

En la primera de ellas, encontramos una escena con un lienzo y una ventana. La imagen puede resultar confusa debido a que el lienzo está colocado enfrente de la ventana, la cual deja ver el paisaje, que es exactamente el mismo paisaje pintado en el lienzo.

En esta obra, podemos ver una pipa acompañada de una frase que dice: "Esto no es una pipa".
Es una imagen que nos deja sorprendidos porque lo que creemos estar viendo a primera vista es claramente una pipa. Sin embargo, en realidad simplemente es la representación de una pipa, como nos dice el mensaje.

MERET OPPENHEIM

Es una artista reconocida por su obra " Juego de desayuno de piel"y perteneciente a la corriente Surrealista. En mi opinión fue una mujer que desprendía mucha imaginación y originalidad. Estas son algunas de sus obras que quería destacar:

ENLACES EXTERNOS: http://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/one-and-three-chairs-tres-sillas

http://www.temasdepsicoanalisis.org/la-condicion-humana-ide-rene-magritte/

ARTE COMO DISCURSO CRÍTICO

Definitivamente este tema es el que más interesante y el que más me ha gustado de todos. En primer lugar esto se debe a que son obras mucho más actuales que las trabajadas en temas anteriores y que reflejan por tanto situaciones o sentimientos más relacionados con la actualidad. En segundo lugar, porque estas obras tienen un objetivo y causa principal la denuncia social y política, hacer visibles situaciones injustas, problemáticas... Y en tercer lugar, porque creo que son estas obras las que más falta hacen en nuestra sociedad y las que más llegan al público. Obras que fomenten la reflexión y en algunas situaciones, la movilización de las personas por una causa determinada.
Hoy en día, encontramos variedad de modos de expresión para la crítica política, social, económica.. Muchas de ellas muy curiosas e ingeniosas. A continuación voy a compartir las que más me han llamado la atención.

Quiero destacar de nuevo a Bansky, artista callejero del que hable al comienzo del blog. En mi opinión, tiene mucho valor lo que realiza este artista "misterioso" ya que denuncia y critica situaciones injustas de una manera muy original. Sin embargo, este autor ha generado mucha polémica sobre si lo que hace se puede considerar arte urbano o por el contrario vandalismo.
Desde mi punto de vista, creo que deberíamos valorar mucho más este tipo de obras. Obras que, como las de Banksy, tienen una intención comunicativa; un mensaje claro para la sociedad.

 

Para finalizar este portafolios me gustaría añadir mi opinión sobre esta obra:

Hoy en día, todos conocemos el arte rupestre, que fue la forma de expresión de nuestros antepasados hace 40.000 años y es gracias a estas pinturas que poseemos más conocimientos sobre como eran y como vivían los hombres en aquel entonces. El arte callejero solo es una forma de expresión más para el hombre que debería estar permitida. No permitiendo este arte estamos destrozando nuestra actual cultura. Puede que en un futuro también tenga una repercusión positiva para la sociedad.


ENLACES EXTERNOS:

http://blog.los40viajes.es/blog/los-graffitis-mas-alucinantes-de-banksy-por-el-mundo/